B6：创作到做不动音乐为止 | BCAF新声

新声 NEW VOICE
支持青年人才，为新的梦想共声
由40位伯乐举荐十大创意领域的40位潜力新锐。

由北京当代艺术基金会、财新视听、财新创意联合发起的《新声——中国当代艺术家推新计划》第三季，旨在支持青年人才，为新的梦想共声。

我们邀请来自艺术、设计、电影、建筑、思想、文学出版、舞蹈、戏剧、音乐、美育等领域的专家伯乐，推荐他们最注目的年轻创作者。他们或因奇思妙想、大胆突破而醒目，或有着拔群的锐气、睿智，或凸显出某种当下罕有的质地。他们的成长路径和个性化选择亦可折射时代的特征，他们的先锋、原创、个性，代表了BCAF一贯支持的真实思想表达与多元对话空间的理念。

新锐创作者将获得BCAF及财新传媒各渠道、全网传播的推广合作，也将优先获得国际交流、创作资助、艺术驻留的机会。

第三季10位新锐的深度访谈文章、人物纪录短片自2024年3月22日起，在每周五14:00持续发布。

新声 NEW VOICE第三季第六期 |
B6（作曲家、音乐制作人）

新声伯乐
沈暘
独立电影制片人、策展人


伯乐推荐语：

音乐人B6，原名楼南立，是一位生于1981年并始终活跃在上海的多栖艺术创作者，以其卓越的才华横跨电子音乐、作曲、声音艺术、设计及装置影像艺术等多个领域，展现出非凡的艺术影响力和跨界创新精神。他在国际舞台上的活跃表现以及在影视配乐领域的卓越成就，都印证了他在中国乃至全球电子音乐与当代艺术领域中的重要地位。


▲ 新声 NEW VOICE第三季第六期 | B6

B6去年很高产，出版了5张黑胶、8张CD、1盒磁带，以及许多数字串流，还为同年上映的4部电影与2部剧集做了配乐。他又开始整理过去的老作品，筹备出版个人回顾专辑“B6:ANTHOLOGY（2001-2011）”。从摇滚、先锋电子到古典乐，从地下俱乐部场景、声音装置到影视配乐，他涉足的风格和领域之广令人惊讶。无论是各种命题作文还是寻找作者性，他似乎都游刃有余。

▲ B6：Anthology 2001-2011

“B6”是80年代生上海人楼南立的音乐代号，来自一支恰到好处出现在他手边的中华铅笔。二十余年间，探索音乐、呈现音乐，代号逐渐取代了他的本名。

B6出道在他的大学时代，千禧年来临前夕，听打口碟长大的美院学生组建了电子乐组合。毕业后，他陆续加入戈多、Junkyard、IGO等乐队组合，以乐手、独立音乐人、DJ等身份活跃，去到世界各地演出。新世纪，上海这座城市的音乐脉络快速延展开来，你总能在里面找到B6的踪迹。


▲ B6早期专辑

说不上特别的契机，2014年左右，B6决定舍弃夜店DJ的工作，也不再创作Techno电子舞曲。他开始重新审视年轻时代不曾青睐的古典乐，从马勒、格里格、拉威尔、瓦格纳等大师的作品中汲取养分，一边大量地学习新知识，YouTube在此时也成为了最好的“导师”之一。他迫切希望找到一种新的创作语言，再回归音乐。

近几年，作曲家B6的作品陆续现身于各类影视作品：为沪语舞台剧《繁花》，他结合老音色和新作曲手法回顾了一种时代气息和城市记忆；医疗题材纪录片《人间世》的核心命题是“生死”，他的配乐克制地表达此间充斥的痛苦、希望、抉择、宿命、悲悯；魔幻现实主义色彩的《南方车站的聚会》中，音乐有时藏得很深，却能精准揭示人物的内心和行为的动机；绘本电影《向着明亮那方》由7个动画短片组成，风格各异，他的创作空间得以更大打开，爵士、民乐、电子乐、华尔兹等元素与影像交融……

▲ B6电视纪录片剧集配乐

B6说话慢条斯理，没有太多情绪起伏，你却无法忽视他身上的丰富性。谈起这些的时候，我们在上海古北的一家咖啡馆，离B6的工作室和住宅不远。更多时候，他深居简出做音乐，疫情期间的封禁也没有给他带来太多不适感。若是出门旅行，他倒是那种会主动和陌生人搭话结识的人。他戴一顶报童帽，身着西装，里面却是一件朋克乐队Black Flag的文化衫——他此生买的第一张唱片就是这个乐队的专辑。在音乐审美和创作上，他趣味广泛，类型与风格并不成为他的制约。

这种丰富性或许是时代的馈赠。三十年前欧美流行乐、摇滚乐借助打口磁带、唱片，以废品塑料的身份漂洋过海，进入一代中国人的听觉系统，塑造了他们的音乐审美。有些人从此爱上音乐，如饥似渴地挖掘最先锋的、最前沿的东西。B6当然也是其中之一，但他比大多数人走得更远。

快问快答

Q：你觉得当下最亟需改变的人类社会现状是什么？
A：我还是相信和坚决支持全球化，希望人类能够早日变成一个“国家”，一个物种，这可能跟我从小喜欢摇滚乐有关。

Q：你从事的职业能够有助改变这个现状吗？
A：一定可以。其实“爱”与“和平”一直是音乐中的大主题，从小接触这种价值观会影响人的一生。

Q：你最想改变的个人现状是什么？
A：想尽可能多出去走走。

Q：你获取外部信息的主要来源是什么？
A：网络，和所有人都一样吧。

Q：你的童年震撼和缺憾是什么？
A：第一次知道人会死是很大的震撼。幼儿园的时候跟我爸去上海自然博物馆看千年古尸展，他指着展品对我说我们都会死。我也不理解死亡到底是什么，很抽象，就觉得不是什么好的、开心的事情。缺憾的话，我爸妈双职工，都要上班，我经常一个人。

Q：你的什么喜好会导致你与多数同辈人玩不到一块儿？
A：初中开始喜欢摇滚乐，那时候没什么同龄人懂这个。我去虬江路、曲阜路、中图边上的弄堂买唱片、淘打口碟。我有个邻居，已经大一了，我们能一起聊。

Q：你现在的职业有多大程度是谋生？如不必考虑生存，你的创作/工作会与现在有何不同？
A：我的职业就是做音乐，这是我的谋生手段，也确实是我热爱的事情。

Q：你睡前刷多久手机？有被某种意识裹挟的时候吗？
A：会刷短视频，这对我来说还是挺新奇的。所有人都能在平台上创作自己的作品，大家发各种视频都会配乐，这迟早会影响到专业领域。

Q：去年最高兴的事？
A：2023年终于离开上海去东京住了4个月，认识朋友，吃好吃的，听不同的音乐，很开心，给我很多新灵感。

Q：作为一名艺术家，你最看重的三个品质是什么？
A：这个好难。我觉得很多艺术家一辈子都在寻找这个答案。对我来说，最重要的是一种只属于你自己的语言。

#01
每次都不一样

B：疫情时期对你的工作或生活带来了什么样的改变？

B6：最大的改变，尤其2022 年，不能随便出去，就导致有很多工作没法完成。做电影配乐经常要去录弦乐演奏，那肯定是没法录，乐手也出不来，录音棚也都关了。所有的弦乐部分只能自己在家里用电脑做。然后我就突然发现，现在电脑制作的弦乐演奏，已经可以很逼真了。所以前年所有的弦乐全是自己在电脑里面制作，出来的效果反而还很好。

B：配乐在影视作品中承担着什么样的角色？配乐的重要性是否常被低估？

B6：理想状态中，当然希望这是一个很重要的角色。我觉得有个误解是认为电影中很多元素是从属关系，并不是，这是一个整体。其实不仅仅是在电影里，在中国语境下，音乐本身就常常被忽略。现代音乐在中国发展时间太短，很混杂，很“横截面”，它并非与人类文化进程同步。

B：为一部电影配乐的工作流程通常是怎样的？

B6：每次都不一样，合作下来感觉都是比较“独立”的做法。好莱坞做配乐有非常按部就班的过程，从钢琴demo到写谱子到录音到混音，到母带处理，到终混。国内没有什么流程，包括音乐制作的很多工种我们是缺少的，比如音乐编辑。其实大多国家都一样，没有什么体系、流程。如果没有一个庞大的工业体量，就谈不上体系和流程。

话剧相对来说会比较难，因为没有录完的既定版本，没法重看，只能凭着对现场排练的记忆，找大概的状态。心里总是不踏实，会觉得是不是哪里没做到位。



B：你平时自己会找电影原声专辑来听吗，能否推荐最近印象深刻的一两张？

B6：《食人族大屠杀》（Cannibal Holocaust，1980）的原声，是七八十年代的那种笨拙俗气的电梯音乐（Elevator Music），同时又带有地下气质的Disco，没有律动却有鼓声。用这样的方式来做一个讲吃人的B级片音乐，很邪典。还有《战栗杀机》（BANANA FISH，2018）的配乐，是电子音乐家大泽伸一（Shinichi Osawa）的作品。

B：你有喜欢的国产电影吗？

B6：前段时间看李少红导演的处女作《银蛇谋杀案》，我就很喜欢。这个片子的副导演叫宁瀛，她有个“北京三部曲”，我最近全都看完了。其中一个我从小就很喜欢，叫《找乐》，黄宗洛演的。我最喜欢80年代的片子。

B：你阅读文学作品吗？

B6：我很少去阅读文字了，感觉阅读能力在慢慢下降，身边很多朋友都有这种情况。人类发明了文字来交流和记录，但这不是终极方式，未来一定会有一个方式来取代文字或者语言。我还是会看电影，但是觉得电影也慢慢走到它的末日了，也许会成为一种特定人群欣赏的艺术。音乐会比这些更长久，因为更本质，更感官。

#02
像《铳梦》的主角

B：家庭或者学生时代对你的创作有什么影响么？

B6：真没太大影响。我就是一个普通小孩，双亲家庭。我倒是觉得小时候的居住环境，包括上海原来的那种市井文化，对我影响更大。

上海很大，不同的街区、环境都会给个体带来不一样的印象。我最早是住在中山公园旁边的兆丰别墅，长大的环境就是《七十二家房客》，童年记忆里这是一个很阴森的存在，有点哥特。曹杨新村是仿造苏联斯大林时期集约型的工人新村，给人感觉就是阳刚、积极向上，但是有点无聊。后来在慈溪路，北京西路的支路，典型的老上海石库门，就像《股疯》里潘虹住的家。我一出门就是二手市场和跳蚤市场，我很早就接触到漂洋过海来的洋垃圾，以及里面的宝贝。

其实我一直觉得整个中国现代文化就是从垃圾堆里长大的，尤其音乐。我们听的打口碟，原料就是废弃的垃圾。我们从垃圾里面挑选出我们觉得有价值、有文化意义的东西。就像《铳梦》里的主角，垃圾山里重生的少女。

这么说字面上非常有歧义，但是那时候整个上海的状态是渴望这些垃圾的滋养，所有人都在往上走，大家希望通过努力让生活得到改善，特别有精气神。即使他们在贩卖日本来的二手电器或者二手黄色书刊，但是所有人都有一种积极向上的情绪。就在这段时间里面，正好我自己的价值观也慢慢成型了，青少年时代开始听摇滚乐。

B：你很早便进入音乐创作者队列，做出成绩又多次转型，驱动力是什么？

B6：其实没什么大的契机。都是自然而然，写不出来了或者是不想写某个风格的东西就转型。有一次有个非常大的打击，当时有块硬盘坏了，数据全都找不回来，丢了200多首作品和十多年的照片，就觉得这辈子可能已经跟音乐无缘了。但后来也慢慢释怀，毕竟人还活着，还可以继续做音乐。我自己觉得也不算转型，音乐的外在风格会有变化，内核是一样的。所以我今年要做的这张早期作品自选集，最后我自己听一遍，虽然有很多不同的风格，我就觉得原来还是同一个人。

B：从Techno到影视配乐应该是一次比较大的转变，是为什么？那段时间都做了什么？

B6：就觉得没法再继续做Techno了，再做就永远跳不出这个语境。要停一段时间，学习沉淀，再开始用一种不同的语言去做。2014年到2017年我基本就没再做音乐，开了个公司做装置、设计。做影视配乐，首先你要会做古典乐，需要很多的学习时间。我就是去搜怎么做古典乐的视频，你会发现很多很多频道，真的不用去音乐学院，YouTube上面解释的比什么音乐学院都详细。你英语好可以直接看国外的频道，不会英语你可以看中文的，也做得很好。直到现在我也会一直看一些技术的视频，有很多新东西要学。生活上我就是把原来在夜店的电子音乐的工作全部都推掉了。

B：没有受过音乐科班教育而成为职业音乐人，你确实是一个很好的例子。

B6：好多成功的音乐人都不是科班出身。音乐是一个相对自由的艺术形式。当然，音乐学院有它存在的道理，作为一个惯性，以及比如你是个乐手，你需要一个场景来训练。但这不是成为音乐家的必须路由。尤其今天网络那么发达，知识其实都在网络上，再好的音乐学院的师资力量，也不可能强大过YouTube，上面有很多讲座，无数的大师。

B：古典乐吸引你的音乐家和作品有哪些？

B6：比如马勒、格里格、拉威尔、瓦格纳。也没有按体系去听，就去研究自己喜欢的，这跟当初听摇滚乐是一样的。个人认为，往往是一种风格刚出现阶段的那些音乐家和作品比较重要，后面很多就是一种复制，虽然有演变，但会有很多平庸的东西。人类做了太多音乐，99%都没必要。

B：你是否还在观察中国/上海的Techno音乐，相比十年前有什么变化？

B6：不再关心Techno了。我听过一些新的电子音乐，但是觉得自己已经很难再去听这种音乐了，打动不了我。我之前在德国住了两年，科隆和柏林，回到上海后就不是特别热衷Techno,落差太大。中国现代音乐的发展从改革开放到现在没多少年，别人是基本上没断过。在柏林，Techno是个主流文化，就是你问你妈，你妈都知道；在中国则是亚文化，你一旦不去接触这个圈子，信息就屏蔽掉了。

#03
AI易与难

B：有什么新的音乐风格或内容是你最近的偏好么？

B6：我喜欢所有的音乐，从来不会对一个音乐风格有什么偏好，关键要做得好。古典乐里有很差的东西，死亡金属里有非常精彩的作品。朋克音乐烂吗？那在音乐性上跟贝多芬没法比，但是如果只用这种眼光和角度去判断就太无趣了，任何艺术都不应该有一个标准。

我最近很着迷看一些根植网络的艺术形式，比如Traumacore、Dreamcore。我觉得这是一个趋势，未来不光是音乐，很多电影会往这个审美的潮流里走。因为现在电影急需找到一些新的可能性，不然他们真干不过短视频。

B：最大的古典乐唱片厂牌DG出版了电子音乐组合Tale of Us的专辑，和一些将合成器融入新古典乐的作曲家专辑，你怎么看这种趋势？

B6：其实这并不是新鲜的东西。它有几个高峰点，第一个高峰点在 70 年代中叶，出现即巅峰，代表人物像Wendy Carlos；第二个高峰是跟随广义上的New Age兴起，包括Vangelis；再到一个高峰就是零几年的时候，比如Nils Frahm。早期我会很积极在网上讨论音乐，推荐过这类，还有Jóhann Jóhannsson，但是当时国内了解的人不多。现在会有人觉得很时髦，娄烨的电影里也会用他的音乐。但是其实我觉得这个风格已经在走下坡路。

B：中国有没有什么原生文化/音乐风格是你认为比较有生命力的？

B6：比如东北的喊麦、云南的山歌教，那种非常“土”的，可能很多人看不上，但是它们更原生、更自发、更自洽。如果从第三方视角去看中国的这些东西，它们有机会在世界范围内被大家所理解。

B：音乐制作技术、各种软件和工具对作曲/音乐创作工作的影响是什么？

B6：20世纪开始，我觉得技术在音乐里面起到关键性的作用。电子乐就是技术催生出来的一种音乐，或者说一种新的审美。

现在有那么几个主流的软件，提供许多模版，你能跟着这些做出很时下流行的东西，这种模式会吸引 90% 的音乐制作人，导致他们的作品会非常模式化、同质化。如果Ableton的某个版本里延时效果器突然变了，会影响整个音乐圈做出来的东西。Cubase会好一点，更开放。不过这种创作会慢慢消失，因为AI做Techno轻而易举。但是要用AI做管弦乐很难，我试过几乎所有平台，感觉它们无法把握细腻的情感和整体的呼吸感。打个比方，Techno像是你买了宜家的桌子，找一个人帮你按照说明书拼装；管弦乐就像你要雇一个人帮你把家里打扫干净，其实很难。

B：你对艺术家的生命周期有什么样的理解？

B6：因人而异。我觉得我可以创作到做不动音乐为止。